Då tanken om ett nordiskt centrum för vattenfärgsteknikerna utformades ingick både det traditionella museets uppgifter att visa och bevara och det nya kunskapscentrets att utveckla som viktiga delar. I sin första utställning fokuserar museet på båda dessa röda trådar. Koncentrationen ligger på den nordiska konstens utveckling under 1900-talet, tolkad med akvarellens språk. Urvalet har skett i samråd med de stora nationella konstmuseerna i Danmark, Finland, Island, Norge och Sverige, varifrån verken också är inlånade.Medverkande konstnärer: Lauri Anttila, Olav Christopher Jenssen, Staffan Hallström, Asgrimur Jònsson, Erling Enger, Frans Widerberg, Esther Helenius, Nils von Dardel, Siri Derkert, Olli Lyytikäinen, Reidun Tordhol, Ebba Carstensen, Asger Jorn, Hjörleifur Sigurðsson, Edvard Weie, Svavar Guðnason, Per Kirkeby och Jalmari Rukokoski

vid horisont asger jorn.jpg

When the idea of a Nordic center for watercolour techniques was formulated, it was considered important that the museum should embrace both the traditional duties of display and preservation along with the new responsibilities inherent in a learning centre for stimulating development. In its first exhibition, the museum focuses on both of these common themes, the emphasis being on developments in Nordic art in the 20th century expressed through the medium of watercolour.&nbsp;The works have been selected in collaboration with the major national art museums of Denmark, Finland, Iceland, Norway and Sweden, from where the artworks have also been loaned.Participating artists: Lauri Anttila, Olav Christopher Jenssen, Staffan Hallström, Asgrimur Jònsson, Erling Enger, Frans Widerberg, Esther Helenius, Nils von Dardel, Siri Derkert, Olli Lyytikäinen, Reidun Tordhol, Ebba Carstensen, Asger Jorn, Hjörleifur Sigurðsson, Edvard Weie, Svavar Guðnason, Per Kirkeby and Jalmari Rukokoski

On the horizon

Från den tidiga modernismen till vår egen tids konst

Vid horisont

Genom att ställa ut Helene Schjerfbecks målningar från tidigt 1900-tal fokuserar Nordiska Akvarellmuseet på en brytningstid i Schjerfbecks måleri, en tid som är fylld med experimenterande, både tematiskt och tekniskt. Under seklets första år får just akvarellen en särskild betydelse för den utveckling som hennes måleri går igenom. Man kan hävda att just genom de olika försöken i vattenfärgsteknikerna når hon fram till den syntes som sedan blir något av ett varumärke för henne: ett bildspråk som strävar mot den ytterst förenklade bilden. Många av motiven är hämtade från hemmet i Hyvinge (Finland), där Schjerfbeck levde tillsammans med sin mor. Utställningen innehåller också en serie självporträtt.&nbsp;

helenschjerfbeck 2000.jpg

By exhibiting paintings by Helene Schjerfbeck from the early years of the 20th century, The Nordic Watercolour Museum chooses to cast light on a transitional period in Schjerfbeck’s art, a period full of experimentation both thematic and technical. During this period watercolour played a particularly important role in the development of her art. It can be claimed that it was just through her various attempts at the use of watercolour that she attained that synthesis which later became something of a trademark for her – a pictorial idiom striving to attain the ultimate simplicity. Many of the subjects are scenes from her home at Hyvinge (Finland) where Schjerfbeck lived with her mother. The exhibition also includes a series of self-portraits.

Mother – Home

Helene Schjerfbeck

Min mor – Hemma

Det Danske Bibelsällskap gav 1993 ut en praktutgåva av Bibeln på danska. För verket beställdes illustrationer i akvarell av Danmarks mesta kyrkomålare och medlemmen av Den Kongelige Kunstakademien Bodil Kaalund. Utställningen visar originalillustrationerna och en samling måleri kring samma tema, samt tre mässkrudar, formgivna av konstnären.

bodil kaalund.jpg

In 1993, the Danish Bible Society published a special edition of the Bible in Danish. For this work, illustrations in watercolour were commissioned from Bodil Kaalund, Denmark’s leading church painter and member of the Royal Danish Academy of Art. The exhibition presents her original illustrations and a collection of other paintings on the same theme, together with three vestments designed by the artist.

Pictures from the Bible

Bodil Kaalund

Bilder från bibeln

Installationen Light Field innehåller tvåhundra vita, doftande liljor, magiskt upplysta i var sin glasflaska. Denna omges på utställningssalens väggar av ett femtiotal akvareller. Sedan studietiden på konstakademien i Oslo har Line Bergseth använt blommor, växter och deras liv som motiv i sin konst. Vid ett snabbt studium kan hennes måleri likna botaniska illustrationer. Men tittar vi närmare ser vi att varje bild är ett porträtt av en unik växtindivid som utifrån sina egna förutsättningar har formats av platsen, tiden och klimatet där den växt.

line bergseth.jpg

The installation Light Field comprises two hundred white, fragrant lilies, illuminated as if by magic each in its own glass bottle. On the walls around hang some fifty watercolour paintings. Ever since her years as a student at the Oslo art academy Line Bergseth has included flowers, plants and plant life as subjects in her art. At a first glance her paintings can seem to resemble botanical illustrations, but a closer look reveals that every picture is a portrait of a unique and individual plant which – each on its own terms – has been formed by the place, the time and the climate in which it has grown.

Lilium

Line Bergseth

Salvador Dalí var en av den moderna konstens förgrundsgestalter. Få har betytt så mycket för modernismens, och framförallt surrealismens uppkomst och utveckling. I mångas ögon är Dalí och surrealism synonymer. Salvador Dali var gränsöverskridande på många plan.Utställningen visar akvareller och teckningar, inlånade från Fundacio Gala-Salvador Dalí och Teatre-Museu Dalí i Figueres i Spanien. De flesta av verken kom till på 40-talet under Dalís tid i USA. De är originalillustrationer till tre av litteraturhistoriens stora verk: Cellinis självbiografi, de Montaignes essäer och Cervantes Don Quixote.

salvador dali.jpg

Salvador Dalí was one of the leading figures in modern art. Few have meant as much as Dalí for Modernism, and especially for the rise and development of Surrealism. For many, Dalí and Surrealism are synonymous. Salvador Dalí was a pioneer in many fields.The exhibition displays watercolours and drawings loaned from the Fundacio Gala-Salvador Dalí and the Teatre-Museu Dalí in Figueres, Spain. Most of the works date from the 1940s when Dalí spent time in the US. They are original artworks illustrating three of literature’s classics: Cellini’s autobiography, de Montaigne’s essays and Cervante’s Don Quixote.

Salvador Dali

Salvador Dalí

En utställning curerad av Kim Levin. Den är en resa genom vattenfärgsteknikernas mångfald och gränsland och speglar den kulturella mångfald som förekommer i ett så stort land som USA. Resan går från Kaliforniens solstränder via den indianska ursprungsbefolkningens kultur till sydstaternas färgade kvinnors situation och kan ses som en lägesrapport från dagens USA.Medverkande konstnärer: Polly Apfelbaum, David Dupuis, Nicole Eisenman, Tony Feher, Spencer Finch, Tim gardner, Brad Kahlhamer, Roxy Paine och Kara Walker.

spencer finch, waterworks.jpg

An exhibition, curated by Kim Levin. This is a journey through the multi-facetted range of watercolour and its borderlands, and illustrates the cultural variety to be found in such a large land as the USA. The journey takes us from the sun-drenched shores of California, via the cultures of the Native American population to the situation of the black women in the southern states. The exhibition can be experienced as a timely report on the USA today.Participating artists: Polly Apfelbaum, David Dupuis, Nicole Eisenman, Tony Feher, Spencer Finch, Tim Gardner, Brad Kahlhamer, Roxy Paine and Kara Walker.

U.S. Watercolour

Waterworks

U.S Akvarell

Göran Dalhov tar oss längs vattenvägar på svenska västkusten, franska Provence och i Wales dramatiska landskap. Hans flyktiga pensel och skarpa öga låter oss dela naturupplevelser, växt- och djurliv. Samtidigt som han rör sig i en klassisk akvarelltradition med influenser från England lever han nära dagens vardagsverklighet och globala miljöfrågor.

göran dalhov.jpg

Göran Dalhov guides us along the waterways of the Swedish west coast, along the canals and rivers of Provence in France and through the dramatic landscape of Wales. His skilful brush and sharp eye enable us to share his experience of plant and animal life. While remaining within a classic watercolour tradition with influences from England he nevertheless remains in close touch with the everyday realities of present time and with global environmental issues.

Waterways

Göran Dalhov

Vattenvägar

19 nordiska konstnärer från olika generationer berättar om den natur, den omvärld vi människor lever i. Här finns skogar, berg och vatten likväl som stadsgator men också nära undersökningar av strukturer och mönster.Medverkande konstnärer: ​Eva Berge, Birgit Broms, Kjell Ekström, Saara Ekström, Kerstin Eliasson, Zacharias Hennesen, Torgeir Husevaag, Kati Immonen, Peter Land, Svenrobert Lundkvist, Tone Myska, Palle Nielsen, Marjatta Nuoreva Kevät, Finnbogi Petursen, Ulla Rantanen, Anne Rolfsen, Ann-Sofi Sidén, Anu Tuominen och Carl Wargh

Kjell Ekström, På väg till Huè I / On the way to Huè I, 1998

19 Nordic artists from different generations tell of the natural world that surrounds us. Here are woods, hills and water as well as city streets, but also a close examination of structures and patterns.Participating artists: Eva Berge, Birgit Broms, Kjell Ekström, Saara Ekström, Kerstin Eliasson, Zacharias Hennesen, Torgeir Husevaag, Kati Immonen, Peter Land, Svenrobert Lundkvist, Tone Myska, Palle Nielsen, Marjatta Nuoreva Kevät, Finnbogi Petursen, Ulla Rantanen, Anne Rolfsen, Ann-Sofi Sidén, Anu Tuominen and Carl Wargh

- from the Museum Collection

Nature

– ur museets samling

Natur

Osökt dyker associationen till skönhet upp när man betraktar Mats Gustafsons konst. Med en gedigen och imponerande bakgrund som internationell modeillustratör har han slagit sig in på den fria konstens väg. Utställningen, som visar såväl litet äldre som helt nya arbeten rör sig mellan romantiska naturbilder från amerikanska östkusten, känsliga djurporträtt och sköna kroppar.

mats gustafson.jpg

It is impossible not to think of beauty when one sees the art of Mats Gustafson. With his solid and impressive background as a fashion illustrator of international standing, Gustafson has now turned his activities to free art. The exhibition, devoted to earlier works as well as completely new ones, ranges from romantic depictions of natural scenery from the American east coast to sensitive portraits of animals and graceful bodies.

1989–2001

Mats Gustafson

Medverkande konstnärer: Sólveig Aðalsteinsdóttir, Vanessa Baird, Jan Hietala, Kati Immonen, Arne Isacsson, Arto Korhonen, Michael Kvium, Tone Myskja, Finnbogi Pétursson, Ulf Rollof och Hannu Väisänen

arto korhonen.jpg

Participating artists: Sólveig Aðalsteinsdóttir, Vanessa Baird, Jan Hietala, Kati Immonen, Arne Isacsson, Arto Korhonen, Michael Kvium, Tone Myskja, Finnbogi Pétursson, Ulf Rollof and Hannu Väisänen

– from the Museum Collection

Notes

Notering

Utställningen presenterar ett femtiotal marinmålningar från Åland och Tjörn. Museichef Kjell Ekström från Ålands museum i Mariehamn är curator för utställningen. För produktionen står Nordiska Akvarellmuseet. Bilderna från Åland kommer från Ålands sjöfartsmuseum, medan tjörnbilderna har lånats ut av privata långivare. Koncentration ligger på akvarelltekniken, medan många av bilderna är utförda i blandtekniker.

h crane skeppsporträtt.jpg

The exhibition consists of some fifty marine paintings from Åland and the Swedish island of Tjörn. Curator for this exhibition is Kjell Ekström, head of the Åland Museum at Mariehamn. The Nordic Watercolour Museum is responsible for the exhibition’s production. The pictures from Åland are loaned from the Åland Maritime Museum while the Tjörn images have been lent by private collectors. The main emphasis is on watercolour, though many of the paintings show a wide range of techniques.

Portraits of ships

Skeppsporträtt

Med bitsk svart humor berättar Vanessa Baird om det mänskliga livets olika situationer. Många gånger använder hon en sirlig romantisk sagoboksstil, men där motiven tvärt bryter sinnesstämningen. Djur och människor i absurda och ofta sexuella situationer visar på anständighetens kollaps och en stark samhällskritik med feministiska förtecken. I denna utställning, som är en samproduktion med galleri Wang i Oslo, visas akvareller från de senaste åren samt bemålat porslin.

vanessa baird.jpg

Vanessa Baird employs biting black humour to describe different situations in human life. She often adopts an elegant romantic story-book style but one in which the subject she has chosen abruptly shatters the viewer’s peace of mind. Animals and people in absurd and frequently sexual situations point to the collapse of propriety, and her work also includes powerful social criticism with clear feminist overtones.In this exhibition, a collaboration with the Galleri Wang in Oslo, Baird presents recent watercolours together with painted pottery.

You can't keep a good Rabbit down

Vanessa Baird

Sol LeWitt är en av samtidskonstens viktigaste konstnärer, född 1928 i Hartford i Connecticut. Med utgångspunkt i utställningssalarnas arkitektur och form arbetar han fram en helt unik utställning. Utifrån grundskisser som han har gjort speciellt för museet, formas platsspecifika väggmålningar, wall drawings. De kompletteras med verk på papper från de senaste åren. Katalogen innehåller bl.a. ett par av LeWitts texter om konceptkonst från 50- och 60-talen.Utställningen är den första större separata utställningen med Sol LeWitts platsspecifika verk som visas i Norden.

Sol lewitt 2002.jpg

Sol LeWitt, born in Hartford, Connecticut, in 1928, ranks among the most significant of contemporary artists. Taking as his starting point the architecture and shape of the exhibition galleries he then proceeds to produce a quite unique exhibition. Working from basic sketches that he has made especially for this museum, he creates wall frescoes and drawings to fit the space. The exhibition is complemented by works on paper from recent years. The catalogue includes some of LeWitt’s texts on conceptual art from the ‘50s and ‘60s.The exhibition is the first major one-person exhibition of Sol LeWitt’s wall paintings and drawings to be shown in the Nordic countries.

Sol LeWitt

Georg Guðni är en av Islands mest betydelsefulla målare inom samtidskonsten. Han började sitt konstnärskap på 1980-talet och sedan dess har den isländska naturen varit hans ständiga inspiration. Han är mest känd för sina stora oljemålningar, men hans akvareller visar en annan viktig sida av hans konst. Där utforskar han det spartanska i det isländska landskapet – horisonten och bergets konturer – och den atmosfäriska förnimmelse det ger. I varierande toner får han fram en känsla av upplösning och oändlig vidd, som ger hans verk en mycket speciell stämning och som kännetecknar hela hans konstnärskap.

Konstverk: Georg Guðni, Utan titel, 2002

Georg Guðni, Utan titel, 2002

Georg Guðni is a leading contemporary Icelandic artist. He started his artistic career in the 1980’s and since then his native countryside had provided his constant inspiration. He is best known for his large oil paintings but his watercolours reveal a different and important side to his work. In them he explores the spartan Icelandic landscape – the contours of horizon and hills&nbsp;– and the atmospheric sensation it conveys. Through shifting colours he creates a sense of disintegration and endless expanses of view, and these imbue his work with a very special feeling and characterise all his art.

Landscape

Georg Guðni

Landskap

Akvarelltekniken är ett kraftfullt verktyg i konstnären Lars Lerins sökande. Han behärskar dess möjligheter och underkastar sig dess lynnighet. Motiven hämtar han från sina hem i världen. I Värmland växte han upp nära de stora skogarna, med sommarnattens ljus och vinterns mörker som följeslagare. På Lofoten fann han havet och horisonten. Han känner naturens storslagenhet och människans hårda livsvillkor. Spåren efter människors liv och arbete i boningar och fabriker återkommer han ständigt till. Minnesbilder, ord, meningar och bildfragment finns ofta med i hans bilder; ett pussel av minnen som fångar avtryck av liv och värme som kanske inte längre finns. En nostalgisk, existentiell längtan, som vi alla känner igen.

lars lerin, boningar, 1997.jpg

Watercolour technique is a powerful tool in the searching hands of artist Lars Lerin. He is a master of its potential and submits to its capricious temperament. The subjects for his works he finds in the places where he makes his home. He grew up in the Swedish province of Värmland, close to the thick forests and where the long summer nights and the darkness of winter are a part of existence. On the Norwegian Lofoten Islands he discovered the sea and horizon. He has a feeling for the grandeur of natural scenery and a sympathy for the tough conditions under which people work there. In his paintings he returns time and again to how people live and work in home and factory. Memories, words, sentences and fragments of images recur frequently in his paintings; together they form a puzzle of memories which capture impressions of life and warmth such as perhaps no longer exist. It is a nostalgic, existential longing common to us all.

Watercolours 1991–2002

Lars Lerin

Akvareller 1991–2002

Sommaren 2004 har Nordiska Akvarellmuseet glädjen att kunna visa ett sextiotal av Anders Zorns akvareller. Utställningen innehåller både kända och okända verk, de flesta tillkomna under den första intensiva fasen av hans konstnärskap. Redan under sin livstid blev Anders Zorn en mycket känd konstnär och internationellt framgångsrik. Hans karriär och livshistoria är häpnadsväckande och runt berättelsen om den oäkta sonen till en dalkulla och en tysk bryggare har många historier spunnits. I akvarellerna och kommer vi nära den konstnär som imponerade på alla med sitt skarpa öga och sin skickliga hand. Vi kan följa utvecklingen från akademitidens genombrottsbild till det sena 1800-talets skimrande ljusskildringar. Fram till 1887 arbetade Anders Zorn närmast uteslutande i akvarell och bemästrade tekniken fullständigt.De motivkretsar som han arbetade med genom hela livet utvecklade han tidigt. I utställningen finns vackra societsporträtt, folklivskildringar och studier av kvinnor i naturen. Samtidigt möter vi flera studier av havet, både snabba intryck och noggranna undersökningar där Anders Zorn visar att han aldrig tröttnade på vattnets, himlens och ljusets möte.Verken är inlånade från Zornsamlingarna i Mora, Statens Museum for Kunst i Köpenhamn, Nationalmuseum i Stockholm och Göteborgs konstmuseum.

Bilder från utställningen

Anders Zorn, Vågskvalp, 1887.jpg

In the summer of 2004, The Nordic Watercolour Museum presents an exhibition of some sixty watercolours by the Swedish artist Anders Zorn. Included are both well known and unfamiliar works, the majority painted during the initial intensive phase of his artistic career. Anders Zorn was famed and internationally successful even during his lifetime. His career and life story are remarkable and many are the tales concerning this illegitimate son born to a girl from the Swedish province of Dalecarlia and a German brewer. His watercolours bring us in close contact with this artist who impressed all with his eagle eye and skilful hand. We can trace his development from the work which made his name, painted while still at the academy, to the glittering light paintings of the close of the 19th century. Until as late as 1887 Anders Zorn worked almost exclusively in watercolour and mastered the technique to perfection. He established at an early stage the subjects he was to work with throughout his life. The exhibition offers handsome society portraits, depictions of the life of the common people and studies of women in settings of natural scenery. Also here are numerous sea studies, both fleeting impressions and careful observations in which Anders Zorn reveals that he never tired of the meeting of water, sky and light. The works on show in this exhibition are borrowed from the Zorn collections at Mora, Sweden, from Statens Museum for Kunst at Copenhagen, the Nationalmuseum in Stockholm and the Göteborgs konstmuseum.

Anders Zorn

När Elsa Beskow skapade sina akvareller doppade hon penseln i ett vanligt dricksglas med vatten. Utan åthävor och mitt i vardagen tog hennes bildmagi form. Med kärlek till minsta kryp och blad i naturen såg hon med det egna inre barnets blick på världen.Våren och sommaren 2009 bjuder Nordiska Akvarellmuseet in till en storslagen bildfest. I utställningssalarna visas flera hundra original från arton av Elsa Beskows mest älskade bilderböcker. Det är en unik chans att uppleva originalens välbevarade färger och att återupptäcka bildernas berättelser. Runt om i museet finns upptäckter för hela familjen, en läshörna bland skogens djur och en bildverkstad som flyttat in hemma hos tant Grön, tant Brun och tant Gredelin.&nbsp;Elsa Beskow gav ut sin första bilderbok, Sagan om den lilla lilla gumman, 1887. När den kom i tryck var hon 23 år. Hon fortsatte sedan att skapa bilderböcker fram till sin död 1953. Idag är Elsa Beskow en klassiker. Böcker som Putte i blåbärsskogen, Blomsterfesten i täppan, Olles skidfärd, Solägget och alla Petter och Lottas äventyr med tant Grön, tant Brun och tant Gredelin har lästs av många generationer, och nya tar vid. Men är det bara föräldrars nostalgi som driver på, eller har Elsa Beskows bilderböcker något att säga även till dagens barn? I vår utställning vill vi se hennes klassiska bildskatt med samtidens ögon. Målet är att skapa en utställning som talar till både barn och vuxna och att fylla museibyggnaden med aktiviteter och möten över generationsgränserna.Elsa Beskow skapade sina böcker mitt i vardagen, tillsammans med sin man Natanael Beskow, konstnär, predikant och rektor för Birkagården, och deras sex söner. Det är en berättelse som speglar hennes liv och ger inblickar i vår svenska 1900-talshistoria. Med utställningen om Elsa Beskows bildvärld fortsätter Nordiska Akvarellmuseet sin satsning på bilderboken som konstform, vilken inleddes med utställningen Bilden, barnet och berättelsen december 2007–mars 2008. Där presenterades 20 samtida nordiska och internationella bilderbokskonstnärer i en utställning som tillsammans med föreläsningar, seminarier och aktiviteter lade grunden för en fortsättning och en fördjupning.<blockquote>”Att få idéer är lika lätt som att plocka blommor. Men att utföra dem ordentligt och få dem färdiga i tid – det är det svåra.”</blockquote>– Elsa Beskow

Svartvitt porträtt av Elsa BEskow i utställningsrum

Person utklädd till smultron framför porträtt av Elsa Beskow

Elsa Beskow, Solägget - The Sun Egg, 1932.jpg

When Elsa Beskow created her watercolours she dipped her brush in a glass of water. In the midst of her everyday duties, without fuss, her pictorial magic took shape. With love towards the smallest insect and leaf that nature could offer she viewed the world with the child’s own inner vision.In the spring and summer of 2009, The Nordic Watercolour Museum invites visitors to enjoy a grand pictorial celebration. The museum galleries will be filled with hundreds of original pictures from eighteen of Elsa Beskow’s best loved picture books. This is a unique opportunity to experience the freshly preserved colours of the original paintings and to rediscover the tales they tell. Throughout the museum there are discoveries to be made by all members of the family – a reading corner, for instance, nestling among the animals of the forest or a picture workshop that has moved into the home of Aunt Green, Aunt Brown and Aunt Lavender.Elsa Beskow published her first picture book, The Tale of the Little, Little Old Woman (“Sagan om den lilla lilla gumman”), in 1887. She was 23 years old when it went to print. She went on to create picture books right up until her death in 1953.Today, Elsa Beskow is considered a classic. Books such as Peter in Blueberry Land (“Puttes äventyr i blåbärsskogen”), The Flowers’ Festival (“Blomsterfesten i täppan”), Ollie’s Ski Trip (“Olles skidfärd”), The Sun Egg (“Solägget”), and all the adventures of Petter and Lotta with Aunt Green, Aunt Brown and Aunt Lavender (“Tant Grön, Tant Brun och Tant Gredelin”) have been read by many generations – and new ones are still discovering them. But is it merely parents’ nostalgia that keeps her stories alive, or do Elsa Beskow’s picture books still speak to children today?In this exhibition we want to view her classic imagery through contemporary eyes. The aim is to create an exhibition that appeals to both children and adults, filling the museum with activities and encounters that bridge the generations.Elsa Beskow created her books in the midst of everyday family life, together with her husband Natanael Beskow – artist, preacher and head of Birkagården – and their six sons. It is a story that reflects her life and offers insights into Sweden’s twentieth-century history.With the exhibition on Elsa Beskow’s world of images, The Nordic Watercolour Museum continues its focus on the picture book as an art form, a venture that began with the exhibition The Picture, the Child, the Tale, December 2007–March 2008). The show presented 20 contemporary Nordic and international picture book artists in an exhibition which, together with lectures, seminars and activities, laid the foundation for continued exploration and deeper engagement.<blockquote>”Getting ideas is as easy as picking flowers. But dealing with them properly and having them ready in time – that’s the difficult part.”</blockquote>– Elsa Beskow&nbsp;

Elsa Beskow

Hösten 2009 visar Nordiska Akvarellmuseet en unik utställning med Cecilia Edefalks&nbsp;floraakvareller i dialog med ett urval av Hilma af Klints esoteriska blomsterstudier från tidigt 1900-tal. Ca. 150 skildringar av europeiska havsstrandväxter tillkom under ett antal resor som Cecilia Edefalk gjorde i slutet av 70-talet. Akvarellerna utfördes på uppdrag av förlaget Wahlström och Widstrand som planerade att publicera en växtflora. En förlagskris hindrade bokutgivningen och fram tills nu har bilderna väntat på sina betraktare. Växterna målades av i deras unika biotoper. De detaljrika skildringarna av kronblad, stjälkar och frökapslar berättar inte bara om olika botaniska arter utan också om deras individuella skönhet. Växternas namn återges i utställningskatalogen.&nbsp;Parallellt visas 17 akvareller av Hilma af Klint (1862–1944). Vid sekelskiftet var hon främst känd för sitt landskaps- och porträttmåleri. Under hela sitt liv var hon intresserad av religion, antroposofi och mystik, och i början av 1900-talet målade hon ett flertal serier som skulle avbilda det oförgängliga. Själv beskrev hon dem som ett andligt uppdrag. I de bilder som visas på utställningen har konstnären sökt naturens själ och velat tolka det översinnliga. Hilma af Klint var en av pionjärerna inom den abstrakta konsten. Hennes bilder visas sällan offentligt. Konstnärskapet förvaltas av Stiftelsen Hilma af Klints Verk, som också har lånat ut akvarellerna till denna utställning.Cecilia Edefalk och Hilma af Klint har skapat sina naturbilder vid olika konsthistoriska skeden. I dessa två skilda konstnärskap finns dock ett gemensamt intresse för att undersöka hur våra sinnen uppfattar världen. Båda har på varsitt sätt, men med lika stor inlevelse, skildrat växtrikets väsen via sina inre och yttre resor. I deras bilder avspeglas fascinationen för naturens egna koder. Båda har de också mästerligt använt sig av akvarellmediet för att gestalta sina budskap. I utställningen möts två olika bildvärldar som får belysa varandra. Här öppnas nya tolkningsmöjligheter och perspektiven på konstnärskapen vidgas.

Ljusa utställningsväggar med bord framför

Ett ljust utställningsrum med sex trämontrar

Verk av Hilma af Klint, föreställande en blomma mot röd bakgrund

Hilma af Klint, Axliknande figur/Figure Resembling Ear of Corn, 1922 © 

In the autumn of 2009, The Nordic Watercolour Museum presents a unique exhibition of Cecilia Edelfalk’s floral watercolours paired with a selection of Hilma af Klint’s esoteric floral studies from the early 1900s.&nbsp;Cecilia Edefalks 150 watercolours of European coastal plants are the outcome of a number of journeys made by the artist in the late 70s.&nbsp;They were commissioned by the publishing house Wahlström och Widstrand for the planned issuing of a plant catalogue but a branch crisis unfortunately prevented this publication. The paintings have waited until now for their public viewing. The plants´ names can be found in the catalouge published for the exhibition.Alongside these works are displayed 17 watercolours by Hilma af Klint (1862-1944). At the turn of the century was best known for her landscape and portrait paintings. Throughout her life she was interested in religion, anthroposophy and mystique. Early in the 20th century she painted several series intended to depict the imperishable and everlasting. She described these works as a task from heaven. In the paintings exhibited at The Nordic Watercolour Museum the artist seeks the essence and soul of nature. Hilma af Klint was one of the pioneers in the field of abstract art.&nbsp;Her paintings are seldom on public view.&nbsp;Her production is administered by the Stiftelsen Hilma af Klints Verk, who have also lent the watercolours for this exhibition.Cecilia Edefalk and Hilma af Klint created their natural history pictures at different art historical periods.&nbsp;Each of these artists has in her own way – and with equal intensity – depicted the essence of the plant kingdom as interpreted through their inner and outer travels. In their paintings of plants they reflect their fascination with nature’s own codes. They have both made masterly use of the watercolour medium to express their message. In the exhibition, two different visual worlds meet and illuminate one another. Here, new possibilities for interpretation open up, and the perspectives on the artistic practices are broadened.

Viewing Plants

Cecilia Edefalk & Hilma af Klint

Betrakta växter

Andrew Wyeth är en av USA:s mest kända konstnärer. Sedan sitt stora publika genombrott 1948 med målningen Christinas värld på The Museum of Modern Art i New York har han fram till idag varit älskad, aktuell och omdiskuterad. 2009 avled han i en ålder av 91 år. Han målade och skapade bilder in i det sista.De viktigaste platserna i Andrew Wyeths liv och konst var familjehemmet i byn Chadds Ford i Pennsylvanias inland och sommarvistet vid nordöstra atlantkusten i Cushing, Maine. Dessa lantliga, glest befolkade orter är de ständigt återkommande scenerna för hans både realistiska och magiska bildvärld.I fonden finns naturen, ljuset och årstidernas växlingar, men det som skapar bildernas nerv är människorna. Det som fångat Andrew Wyeths blick är livshistorier och minnen som lämnat spår i ansikten, föremål och byggnader.De akvareller som visas i denna utställning är skapade under återkommande sommarstudier vid Olsons hus. Det stora vindpinade trähuset låg längst ute på en udde vid Maines kust och där levde Christina Olson och hennes bror Alvaro sina liv. Bara 22 år gammal fick Andrew Wyeth syskonens förtroende och under 30 år återkom han varje sommar för att måla. Han fascinerades av de särpräglade och starka människorna, deras tidlösa, strävsamma självhushåll och inte minst av själva husets utseende, historia och detaljer.Detta är Andrew Wyeths första separatutställning i Sverige. Samtliga akvareller är lånade från The Marunuma Art Park Collection i Japan.

Verk: Andrew Wyeth, Olsons hus i dimma, 1967 © Andrew Wyeth

Andrew Wyeth, Olsons hus i dimma, 1967 © Andrew Wyeth

Andrew Wyeth is one of the USA’s best known artists. Ever since his big breakthrough with the painting Christina’s World, at the Museum of Modern Art in New York, in 1948 he has remained as much loved and topical as discussed. He died early last year at the age of 91. Until the very end he painted.The life and work of Andrew Wyeth was connected to two main places, his family home at Chadd’s Ford, Pennsylvania, and their summer residence at Cushing on the north east Atlantic coast of Maine. These rural, sparsely populated areas are the constantly recurring settings for his realistic, yet magical, pictorial world.Nature is at the centre, its light and changing seasons, but it is the human presence that gives his pictures energy and life. His eyes search for histories and memories that have left their traces in both buildings, objects and faces.The watercolours in this exhibition are devoted to the Olson House. This was a windswept wooden building far out on the headland in Maine where Christina and Alvaro Olson, a brother and sister, spent their whole lives. When Wyeth was only 22 years old he won their confidence and then visited them every summer for the next 30 years. He was fascinated by these remarkable, strong persons and their timeless, arduous self-subsistent housekeeping. But not the least he was drawn to the house itself, its history and details.This is the first separate exhibition of Andrew Wyeth’s work to be held in Sweden. All the watercolours are on loan from The Marunuma Art Park Collection in Tokyo, Japan.

Andrew Wyeth

Hösten 2010 visas verk av den världskända konstnären Louise Bourgeois som gick bort den 31 maj 2010, då 98 år gammal.&nbsp;&nbsp;Louise Bourgeois föddes den 25 december 1911 i Paris, men sedan 1938 var hon bosatt i New York. Hon debuterade i mitten av 1940-talet, men fick inte sitt genombrott förrän 71 år gammal när hon hade en separatutställning på the Museum of Modern Art i New York 1982. Till hennes mest omtalade verk hör The Destruction of the Father, 1974 och jättespindeln Maman, 1999.&nbsp;&nbsp;Hennes unika konstnärskap och personliga och uttrycksfulla verk har satt henne i förgrunden inom samtidskonsten. Experimenterande inom olika material genomsyrar hennes arbete, där födseln, sexualitet och döden tillhör de centrala frågorna som ofta gestaltas i utforskandet av relationen mellan fadern, modern och barnet.I utställningen visas verk utförda i gouache på papper, som fokuserar kring födseln och relationen mellan mor och barn, samt några skulpturer. Dessa fantastiska och ömsinta verk från sista åren av hennes konstnärskap har tagit Louise Bourgeois konst till en ny nivå. De visar på en sällsynt närhet, värme och känslighet för livets inre väsen.

Utställningsrum med röda gouachemålningar av Louise Bourgeois samt skulptur i podium i förgrunden

Utställningsrum med röda gouachemålningar av Louise Bourgeois

Ur utställningen, skulptur i rosa marmor.

<blockquote>"Rött är blodets färg. Rött är färgernas färg. Rött är raseriets färg. Rött är farans färg. Rött är skammens färg Rött är avundens färg. Rött är missundsamhetens färg. Rött är skuldens färg."</blockquote>– Louise Bourgeois, ur utställningskatalog för Malmö Konsthall 1998, s. 40.

Från utställningen med Louise Bourgeois på Nordiska Akvarellmuseet

Louise Bourgeois utställning foto kalle sanner.jpg

Mother and Child

Louise Bourgeois

Med säker hand avbildar den danska samtidskonstnären Julie Nord verklighetens former. Det är lätt att känna igen motiv och detaljer i hennes myllrande bildvärld. Mycket känns både tryggt och hemtamt, men ju mer vi tittar, desto mer ser vi. Handlar det om sken eller verklighet? Om vardagsidyller eller mardrömsbilder?I Julie Nords stora teckningar ryms allt, sida vid sida och inflätat i vartannat. Storögda flickebarn och vidunderliga djurgestalter samsas medan det söta, ordnade och väluppfostrade får sina konturer naggade av det hotande, det kaotiska och farliga. Bilderna rispar på den verklighet vi tror att vi känner och ifrågasätter idealbilder och givna berättelser.Julie Nord arbetar med blyerts, filtpennor, akvarellfärg och tusch, ofta i stort format. Inspiration till sina motiv hämtar hon från barnböcker, filmer och skräckberättelser men också från vardagen och konsthistorien.Utställningen har fått sitt namn från ett ockult språkfenomen, Xenoglossy, ett tillstånd där en person i trans plötsligt börjar tala ett språk som den varken förstår eller behärskar under normalt, vaket medvetande. Stora väggmålningar leder oss in till utställningens stämningsfullt färgsatta rum fyllda av bildberättelser utan början eller slut.

Röd utställningshall under utställning med Julie Nord

Svart utställningshall under utställning med Julie Nord

Utställningshall under utställning med Julie Nord

Ljusblå utställningshall under utställning med Julie Nord

Julie Nord, Homecoming Queen, 2009

With a confident hand, the Danish contemporary artist Julie Nord depicts the forms of reality. It’s easy to recognise the motifs and details in her teeming visual world. Much feels both safe and familiar, but the more we look, the more we see. Is it all an illusion or reality? Scenes of everyday idylls or images of nightmares?In Julie Nord’s large-scale drawings, everything is present – side by side and interwoven. Wide-eyed young girls coexist with fantastical animal figures, while the sweet, orderly and well-mannered are subtly frayed at the edges by the threatening, the chaotic and the dangerous. Her images scratch at the surface of the reality we think we know and question idealised images and accepted narratives.Julie Nord works with pencil, felt-tip pens, watercolour and ink, often on a large scale. She draws inspiration from children’s books, films and horror stories, but also from everyday life and art history.The exhibition takes its name from an occult linguistic phenomenon, Xenoglossy — a state in which a person in trance suddenly begins to speak a language they neither understand nor have learnt in a normal, waking state. Large wall paintings lead us into the exhibition’s atmospherically coloured rooms, filled with visual stories without beginning or end.

Xenoglossy

Julie Nord

Den berömde tyske målaren och grafikern Emil Nolde (1867–1956) var en av huvudföreträdarna för expressionismen. I sommarutställningen på Nordiska Akvarellmuseet visas Omålade bilder – en unik akvarellsvit som Nolde i hemlighet skapade i sitt avsides belägna hus Seebüll vid den tysk-danska gränsen, efter att nazisterna hade stämplat hans konst som degenererad på 1940-talet.Nolde var en av de konstnärer som var med och skapade den moderna konsten. Han var en del av det tidiga 1900-talets avantgarde och samtidigt en enstöring med starka egna visioner om färgens uttryckskraft. I 1920-talets Tyskland blev hans måleri alltmer uppskattat men när nazisterna kom till makten 1933 bannlystes den moderna konsten och beslagtogs från tyska museer och offentliga samlingar. På den stora anti-utställningen Entartete Kunst&nbsp;(Degenererad konst) i München 1937 var Nolde den mest represen­terade konstnären med 32 verk. 1941 förbjöds han att måla och ställa ut. Härefter drog han sig tillbaka och levde isolerad i sitt hus på landet. Där fortsatte han skapa i hemlighet och målade över 1300 akva­reller och gouacher i små format. Serien har aldrig splittrats och den tillhör i sin helhet Noldestiftelsen i Seebüll, varifrån verken till utställningen har lånats.I det bildurval som visas på Nordiska Akvarellmuseet ingår alla de motivkretsar som Nolde huvudsakligen arbetade med. I centrum för hans konst stod, förutom landskapet, människan själv. Blommor och trädgårdar är ett annat tema som löper som en röd tråd genom hans skapande. Färgprakten i hans verk saknar motstycke. Denne strängt religiöst uppfostrade konstnär ville uttrycka tingens innersta kärna genom färgen istället för att imitera naturen. Blomman var därför hos honom en sinnebild för det eviga kretsloppet mellan födelse, liv och död. Utöver dessa motiv blev Nolde känd för sina egensinniga bildtolkningar av bibliska berättelser, som dock inte finns representerade i akvareller. Hans verk präglas genomgående av ett starkt visionärt patos och en färgprakt mättad med symboliska och sensuella undertoner.&nbsp;Noldes liv och konstnärliga visioner bär inom sig flera av 1900-talets idé-historiska konflikter. Han var konservativ, värnade traditioner likväl som ursprung och lockades på flera sätt av nationalismen. Samtidigt förde hans nyfikenhet på världen honom ut på långa resor och i sin konstnärliga vision sökte han ett nyskapande. Noldes akvarellteknik var enastående. Den var välfunnen och intuitiv på samma gång. Med pigment och mycket vatten förmedlar han både en okuvlig energi och en djup ömsinthet. I de oansenliga formaten finns glödande, intensiva färger och slöjmolnstunna, transparenta skikt. Som han berättar i sina memoarer arbetade han utan förlagor eller ef­ter väldefinierade idéer. Målningarna tog istället form direkt under händernas arbete.&nbsp;Utställningen på Nordiska Akvarellmuseet är den första omfattande presentationen av Noldes konst i Sverige sedan 1970-talet.

Emil Nolde, Röda och gula solrosor ©Nolde Stiftung Seebüll

Emil Nolde, Röda och gula solrosor - Red and Yellow Sunflowers ©Nolde Stiftung Seebüll

Emil Nolde (1867–1956) was a celebrated German painter and printmaker, and one of the main representatives of Expressionism. Unpainted Pictures is the summer exhibition at The Nordic Watercolour Museum, comprising a unique collection of watercolours that Nolde painted in secret at his remote house in Seebüll near the German-Danish border in the 1940s.Nolde’s work was very popular in Germany in the 1920s. However, when the Nazis came to power in 1933 all modern art was banned, and all works in German museums and public collections were confiscated. At the large anti-exhibition held in Munich in 1937 entitled “Entartete Kunst” (“Degenerate Art”), Nolde was the most represented artist, with 32 works. In 1941 he was forbidden from painting and exhibiting. From then on he withdrew and lived in isolation in his house in the country. He continued to work there, nevertheless, painting over 1,300 small watercolours and gouaches. The series has never been split up and belongs in its entirety to the Nolde Museum in Seebüll, which has loaned the works for this exhibition.The selection of paintings shown at The Nordic Watercolour Museum reflects all the main motifs of Nolde’s work. His art centred on the landscape and people. Flowers and gardens are a theme that runs unbroken through his creative work. The vibrant colours of his work are unmatched. Brought up in a strictly religious environment, he wanted to express the essence of things by using colour, rather than imitating nature. Flowers were thus to him a symbol of the eternal cycle of birth, life and death. Besides these motifs, Nolde was also known for his unconventional visual interpretations of biblical tales, although these did not take the form of watercolours. His work is distinguished throughout by an intense visionary pathos and a palette of colour rich in symbolic and sensual undertones.Nolde’s art encapsulated the moral conflicts with which German modernists were confronted. His upbringing gave him nationalist conservative values, but his artistic idiom was experimental and innovative. Nolde’s watercolour technique was outstanding. It was apt and intuitive at the same time. Using pigment and plenty of water he conveys both irrepressible energy and a deep tenderness. The modest format glows with intense colours and wispy, transparent layers. As he relates in his memoirs, he worked without models or even well-defined ideas. His paintings instead took shape immediately beneath the brush.&nbsp;The exhibition at The Nordic Watercolour Museum is the first comprehensive presentation of Nolde’s art in Sweden since the 1970s.&nbsp;

Emil Nolde

Utställningen Mexiko – Poesi och politik. Modern och samtida konst på papper och animationer presenterar ett urval av de främsta mexikanska samtidskonstnärerna. De arbetar ofta konceptuellt, och idéerna har ofta en direkt anknytning till Mexikos turbulenta politiska klimat. Tyngdpunkten ligger på att visa hur samtidskonsten tar sig an brinnande frågor i den komplicerade mexikanska vardagen som präglas av återkommande konfrontationer, missbruk och våld. Men det handlar också om det vackra, poetiska stråket i det dagliga livet.&nbsp;Ett annat spår i utställningen är en strävan att visa hur samtidskonsten skapar bryggor till de tidigare konstnärsgenerationer som var djupt rotade i den mexikanska kulturen. För att ge en bakgrund till nutiden och en större förståelse för den mexikanska konstens historia visas därför ett urval bilder av viktiga konstnärer från 1900-talets början och mitt.Utställningen produceras i samarbete med professor Mark Dean Johnson vid San Francisco State University och Julio Morales som gästcurator.&nbsp;Medverkande konstnärer: Moris (Israel Meza Moreno) (f. 1978), Dr Lakra (f. 1972), Miguel Calderón (f. 1971), Máximo González (f. 1971), marcelaygina – Marcela Quiroga (f. 1971) och Georgina Arizpe (f. 1970), Carlos Amorales (f. 1970), Ilán Lieberman (f. 1969), Daniel Guzmán (f. 1964), Teresa Margolles (f. 1963), Gabriel Orozco (f. 1962), Francis Alÿs (f. 1959), Eduardo Terrazas (f. 1936), Mathias Goeritz (1915–1990), Frida Kahlo (1907–1954), David Alfaro Siqueiros (1896–1974), Diego Rivera (1886–1957), Alfredo Ramos MartÍnez (1872–1946), José Clemente Orozco (1883–1949) och José Guadalupe Posada (1852–1913)

Utställningsrum, med bordsmonter och taklampor

Muralmålning av Dr Lakra på Nordiska Akvarellmuseet

Utställningsrum med måleri och föremål i montrar

Utställning, stillbild ur mörk, svart/vit animation

Verk: Francis Alÿs, Djungeln (detalj), 2003 © La Colección Jumex, Mexico

Francis Alÿs, Djungeln - The Jungle detalj, 2003 ©La Colección Jumex, Mexico.jpg

The exhibition Mexico – Poetry and Politics. Modern and Contemporary Works on Paper and Animations, presents the work of leading contemporary Mexican artists, often choosing to work in conceptual manner and whose underlying themes make frequent references to Mexico’s turbulent political climate. The exhibition reveals how contemporary art handles urgent topics in the complex everyday life of Mexico, a life marked by recurring confrontations, violence and abuse. But it also deals with the beautiful and poetic elements of daily existence.&nbsp;Another aim of the exhibition is to show how contemporary art establishes links to earlier generations of artists who were firmly rooted in Mexican culture. To provide a background to the present and a greater understanding of the history of Mexican art, a selection of works by important artists from the early and mid-20th century is therefore presented.The exhibition is a collaboration with Professor Mark Dean Johnson of San Francisco State University and Julio Morales as guest curator.Participating artists: Moris (Israel Meza Moreno) (b. 1978), Dr Lakra (b. 1972), Miguel Calderón (b. 1971), Máximo González (b. 1971), marcelaygina – Marcela Quiroga (b. 1971) and Georgina Arizpe (b. 1970), Carlos Amorales (b. 1970), Ilán Lieberman (b. 1969), Daniel Guzmán (b. 1964), Teresa Margolles (b. 1963), Gabriel Orozco (b. 1962), Francis Alÿs (b. 1959), Eduardo Terrazas (b. 1936), Mathias Goeritz (1915–1990), Frida Kahlo (1907–1954), David Alfaro Siqueiros (1896–1974), Diego Rivera (1886–1957), Alfredo Ramos MartÍnez (1872–1946), José Clemente Orozco (1883–1949) and José Guadalupe Posada (1852–1913)

Modern and Contemporary Works on Paper and Animations

Mexico – Poetry and Politics

Modern och samtida konst på papper och animationer 

Mexiko – Poesi och politik

Anu Tuominens ögon och tankar rör sig ständigt, hon spanar och söker i den materiella värld som omger oss. Varje dag hittar hon skatter som ingen annan ser. Som en äkta sakletare samlar hon på sina fynd och av det hon hittar skapar hon nya oväntade sammanhang. Hon ordnar och sorterar, hänger upp eller staplar. Ibland gör hon tillägg på det funna med garn eller färg.Allt det mänskliga som vi lägger in i våra föremål blir del av verket, hur de ser ut, deras färg, form och material, vad de har använts till, vad de heter på olika språk eller vad namnen kanske liknar. Anu Tuominen löser upp åtskillnaden mellan tanke och känsla och leker lika mycket med tingens färg som med betydelser och språk.Hon är en sinnlig konceptkonstnär. När man betraktar hennes konst överraskas man ofta av kvicksilversnabba associationer där hemkänsla och igenkännande ryms i samma andetag som förvåning och förfrämligande av det vardagliga. Hon får oss att se på världen med nya ögon.Anu Tuominen föddes 1961 i Lemi i Finland. Idag lever och arbetar hon i Helsingfors. Hon har magisterexamen från Institutionen för Inredningsarkitektur och Möbeldesign vid Högskolan för Konst och Design UIAH samt från Finska Konstakademin i Helsingfors. Anu Tuominen är en av Finlands mest uppmärksammade konceptuella konstnärer med en intensiv utställningsverksamhet både i sitt hemland och på den internationella konstscenen. Nordiska Akvarellmuseets utställning är den första större presentationen av hennes verk i Sverige. Här har hon låtit färgen stå i centrum, som sinnligt uttryck, som sorterande princip och som upplevelse, begrepp och idé.

Detalj ur verk av Anu Tuominen, med föremål i orange

Verk av Anu Tuominen i monter. Ordet "Blue" står skrivet i röda kritor.

Verk av Anu Tuominen på vit vägg, bestående av grytlappar i olika färger arrangerade till en stor cirkel

Konstverk på träbord, bestående av gult garn och osthyvlar

Utställningshall med verk av Anu Tuominen

Konstverk i garn och garnnystan av Anu Tuominen mot en vit vägg

Gästateljéer utanför Nordiska Akvarellmuseet sedda från ett fönster, med ett färgglatt konstverk hängandes mellan

Tre flaskor med föremål i, verk av Anu Tuominen

Anu Tuominen, Svart saft -Black Juice, Blåbärspuré - Blueberry Puree, Vitt - White, 2003.jpg

Anu Tuominen’s gaze and thoughts are constantly in motion as she observes and seeks treasures in the material world that surrounds us. Every day, she discovers treasures invisible to others. Like a gatherer, she collects her findings and creates unexpected new contexts from them. She arranges and sorts, hangs or stacks. At times, she adds to her discoveries with yarn or paint.All the human qualities we imbue our objects with becomes part of the artwork: their appearance, colour, shape, and material; their uses; their names in different languages; or the associations their names might evoke. Anu Tuominen dissolves the boundary between thought and feeling, playing equally with the colours of things as with meanings and language.She is a sensual conceptual artist. Observing her art often evokes rapid associations, where a sense of familiarity and recognition coexists with surprise and a defamiliarisation of the everyday. She helps us see the world from a new perspective.Anu Tuominen was born in 1961 in Lemi, Finland, and now lives and works in Helsinki. She holds a master’s degree from the Department of Interior Architecture and Furniture Design at the University of Art and Design UIAH and from the Finnish Academy of Fine Arts in Helsinki. Anu Tuominen is one of Finland’s most acclaimed conceptual artists, with an active exhibition schedule both in her home country and on the international art scene. The Nordic Watercolour Museum’s exhibition is the first major presentation of her work in Sweden. Here, she has placed colour at the forefront: as a sensory expression, an organising principle, and as experience, concept, and idea.

Write Red in Blue

Anu Tuominen

Livets innersta mysterium engagerar den amerikanske konstnären Bill Viola. Han föddes 1951 i New York och har i nära fyrtio år utvecklat videon som konstform. Nyfikenhet och experimentlust har fört honom till de senaste tekniska landvinningarna. I konstverken har tekniken dock alltid varit ett redskap, aldrig ett mål.Viljan att beröra det outsägbara – erfarenheter bortom ord, intellekt och känsla genomströmmar de sex verk som visas i denna utställning. De är skapade mellan 1977 och 2008 och i alla är vattnet närvarande.Vatten och rörelse är grundförutsättningar för både liv och akvarellkonst. Målerikonstens historia är en av Bill Violas viktigaste inspirationskällor parallellt med hans studier av andliga traditioner inom sufism, kristen mystik och zenbuddism.Utställningen bjuder in till en serie levande målningar där vi som åskådare omsluts av rörliga bilder och ljud. Vår upplevelse av tiden både förstärks och ifrågasätts – i verken finns en rörelse mellan födelse, liv och död men inga slutpunkter eller fasta slutsatser.&nbsp;Bill Viola menar att konstmuseer är ett av de få offentliga rum i vår samtid där reflektion och eftertanke får ta plats.

Nedsläck utställningsrum med två videoverk. Besökare med barnvagn sitter på en bänk.

Nedsläckt utställningsrum med videoverk i grönt

Mörkt utställningsrum med videoverk i svartvitt.

Vernissage av utställningen i maj 2012. 

Verk av Bill Viola, föreställande en man under vatten

Bill Viola. The Messenger, 1996. Stillbild från video- och ljudinstallation. Färgvideo på vertikal skärm monterad på vägg i mörkt rum. Förstärkt stereoljud. Foto Kira Perov..jpg

Life’s innermost mysteries are at the core of Bill Viola’s art. He was born in New York in 1951, and has for nearly forty years been developing and expanding video as an art form. His curiosity and experimental urge has led him to work with the very latest technology. But in his art technology has always remained a tool and never an aim in itself.A desire to explore what defies description – experiences beyond the reach of words, intellect or emotions – permeate the six works in this exhibition. They were created between 1977 and 2008 and in all of them water is present.Water and movement are preconditions for watercolour art and for life itself. The history of painting has been one of Bill Viola’s main sources of inspiration, alongside his studies of spiritual traditions such as Sufism, Christian mysticism and Zen Buddhism.The exhibition invites viewers to experience a series of living paintings in which we find ourselves enveloped in moving images and sound. Our sense of time is both reinforced and questioned – the works flow across the themes of birth, life and death but lack clear endings or firm conclusions.In the opinion of Bill Viola, art museums are among the few public spaces remaining to us today where reflection and consideration are allowed free play.

Water

Bill Viola

Vatten

Peter Land är en dansk konstnär som ser mer än de flesta ens lägger märke till.&nbsp;Att kliva in i hans bildvärld är en omtumlande resa bland bildminnen och känslor från barndomen.&nbsp;Han föddes 1966 och har utbildat sig i Danmark och England. I sin konst arbetar han med olika tekniker och medier, främst video, skulptur och detaljerat tecknade akvareller. Hans verk finns representerade på bland annat Centre Pompidou i Paris och på MoMA i New York.I akvarellerna frammanar han igenkänning och hemkänsla genom ett bildberättande som påminner om illustrerade barnböcker och serietidningar. Med klara färger, tydliga konturer och satiriskt överdrivna figurer skapas en stämning av grotesk komik. Vi dras in i ett skådespel som balanserar mellan skratt och skräck.Barnets upplevelse av världen står i centrum. Fantasins förmåga att förstora det obegripliga och skrämmande förenas med en vilja att passa in och förstå vuxenvärldens regler. I utställningens titel, Svart pedagogik, har Peter Land gett oss en historisk spegel att söka tolkningar i. Begreppet beskriver ett uppfostringsideal som tuktar både kropp och vilja och som med hot om bestraffningar ska lära barnet att behärska sig.I denna utställning visas både helt nyproducerade akvarellserier och ett rikt urval från Peter Lands tidigare produktion.

Utställningsrum med en blå och en vit vägg. Svarta stolar samt en fontän föreställande ett barn vid en damm.

Ljusblå väggar med tre små trädörrar. Framför dörrarna syns två ben, som avslöjar att dörrarna är miniatyrer.

Två skulpturer framför en svart vägg, föreställande byster av barn.

Ljusblå väggar med målningar av Peter Land

Ljusblått utställningsrum med målningar

Ljusblå utställningshall med målningar

Konstverk: Peter Land, Hurricane III Copenhagen 11 December 1999, 2000

Peter Land, Hurricane III Copenhagen 11 December 1999, 2000.jpg

Peter Land is a Danish artist with an extraordinary ability to spot what most people would never notice. Stepping into his pictorial world is like embarking on a bewildering journey through the memories and sensations of childhood.He was born in 1966 and trained in Denmark and England. In his art he works with various techniques and media, primarily with video, sculpture and detailed watercolour paintings. His works are represented at institutions including the Centre Pompidou in Paris and MoMA in New York.His watercolours evoke a sense of familiarity in the viewer, drawing on imagery reminiscent of illustrated children’s books and comic strips. Using bright colours, clear outlines, and satirically exaggerated figures, Land generates a sense of grotesque comedy. We become spectators to a drama where laughter and terror are the competing protagonists.It is the child’s experience of the world around him that provides Peter Land’s focus. The child’s ability to use imagination in order to make sense of the incomprehensible and frightening is paralleled by his desire to fit in and understand the rules of the adult world. The title of this exhibition, Black Pedagogy, offers a historical lens through which to interpret his work. This concept refers to an upbringing method that seeks to dominate both body and will, using the threat of punishment to teach the child self-control.The exhibition includes both newly painted watercolour series along with a wide selection from Peter Land’s earlier production.&nbsp;

Black Pedagogy

Peter Land

Svart pedagogik

En av vårens utställningar 2013 presenterar Gunnel Wåhlstrand,&nbsp;en av Sveriges främsta samtidskonstnärer.&nbsp;Wåhlstrand är detaljernas konstnär. Hennes storskaliga, virtuosa tuschlaveringar kännetecknas av en närmast ofattbar precision. Tekniken är driven till det yttersta och skapar illusionen av att vi betraktar gamla fotografier, starkt förstorade. Utgångspunkten är familjens fotoalbum med bilder från ett obestämt 1940- och 50-tal. Vi kliver in i tysta borgerliga salonger och blickar ut över stilla landskap. På bilderna finns inga spår av de tragedier som livet kantas av.&nbsp;Gunnel Wåhlstrand, född 1974 i Uppsala, är utbildad bland annat vid Konsthögskolan i Stockholm. Hennes samlade produktion är inte stor om man räknar antal verk. Varje målning förlöses under en mödosam, tidskrävande process. En spilld droppe innebär att arbetet måste börja på nytt. Det handlar också om att tillbringa tid med fotografierna och ta sig in i sin egen familjehistoria. Konsten är Gunnel Wåhlstrands sätt att skapa en relation till de närmaste som hon inte fick träffa.&nbsp;I utställningen visas Gunnel Wåhlstrands nyaste verk, som för första gången presenteras för konstpubliken.

Vita utställningsväggar med två svartvita tuschmålningar av Gunnel Wåhlstrand

Vita utställningsväggar med en svartvita tuschmålning av Gunnel Wåhlstrand, samt ett par personer som tittar på verket

Vita utställningsväggar med tre svartvita tuschmålningar av Gunnel Wåhlstrand

Konstverk: Gunnel Wåhlstrand, Den sista ön, 2012

Gunnel Wåhlstrand, Den sista ön_The Last Island, 2012. Foto Jean-Baptiste Béranger, Magasin III.jpg

One of the spring exhibitions in 2013 showcases Gunnel Wåhlstrand, one of Sweden’s foremost contemporary artists.Wåhlstrand is a master of detail. Her large-scale, virtuoso ink wash paintings are characterised by an almost unbelievable precision. Her technique is honed to perfection, creating the illusion of old, greatly magnified photographs. The starting point for the works is her family’s photo albums, featuring images from an indeterminate 1940s and 1950s. We step into silent bourgeois parlours and gaze out over tranquil landscapes. The images bear no trace of the tragedies that life so often entails.Gunnel Wåhlstrand, born in 1974 in Uppsala, was educated at institutions including the Royal Institute of Art in Stockholm. Her body of work is small in terms of the number of pieces. Each painting is the result of a meticulous and time-consuming process, where even a single misplaced drop can necessitate starting over. It is also a process of spending time with the photographs and delving into her own family history. For Wåhlstrand, art is a way of building a connection with the loved ones she never had the chance to meet.The exhibition features Gunnel Wåhlstrand’s latest works, shown to the public for the first time.

Gunnel Wåhlstrand

Vi lever i bildens tidevarv.&nbsp; Alltmer av människans livsrum har skapats, färgsatts och formats av henne själv.Joe Grillo är en amerikansk konstnär som arbetar mitt i nutidens visuella flöde. ”Mer av allt” verkar vara mottot i hans färgstarka universum. Inspiration från reklam, popkonst och graffiti finns sida vid sida med influenser från elektronisk experimentmusik, konsthistoria och tv-spel.Joe Grillo föddes 1980 och växte upp i Virgina Beach, en turistort vid atlantkusten med miltals av stränder, souvenirbutiker, diskotek och surfingcentra. Tillsammans med barndomsvänner formade han tidigt en kreativ konstnärlig grupp som döptes till Dearraindrop. Att hitta egna vägar och uttryck var deras drivkraft. De ville arbeta kollektivt i en individualistisk tid, överskrida genregränser och röra sig fritt, både i samhällets och konstvärldens strukturer. De arbetar fortfarande tillsammans men numera också var och en för sig.I denna utställning har Joe Grillo skapat ett tredimensionellt collage där vi bokstavligt kliver in i konstverket som en helhet. Han använder sig av sina egna bilder och skulpturer som byggklossar och blandar sina äldre verk med helt nyskapade.

Detaljbild av en skulptur av Joe Grillo, med bland annat en gul björn och kniv

Ung besökare med mössa till vänster tittar på målning till höger

Utställningsrum med måleri och skulptur av Joe Grillo

Joe Grillo, Reptile House.jpg

We live in the age of images. An increasing share of humanity's living spaces has been created, coloured, and shaped by ourselves.Joe Grillo is an American artist working at the heart of today’s visual flow. "More of everything" seems to be the motto of his vibrant universe. Inspiration from advertising, pop art, and graffiti sits alongside influences from experimental electronic music, art history, and video games.Born in 1980, Joe Grillo grew up in Virginia Beach, a tourist town on the Atlantic coast with miles of beaches, souvenir shops, discos, and surf centres. Early on, together with childhood friends, he formed a creative artist group called Dearraindrop. Their primary motivation was to explore their own paths and modes of expression. They aimed to work collectively in an individualistic era, to transcend genre boundaries, and to move freely within the structures of both society and the art world. While the group still works together, they now also pursue their individual artistic practices.For this exhibition, Joe Grillo has created a three-dimensional collage that literally invites us to step into the artwork as a whole. Using his own images and sculptures as building blocks, he combines earlier works with entirely new creations.

Joe Grillo

Den amerikanska konstnären Alice Neel (1900–1984) ägnade porträttkonsten hela sitt liv. Medan den abstrakta expressionismen utvecklades framgångsrikt på den amerikanska konstscenen höll Alice Neel fast vid sitt eget formspråk. Hon valde figurativt måleri. Hennes färgskimrande porträtt med distinkta konturer och en besynnerlig närhet till modellerna, handlar både om individer och om sociala, kulturella och politiska klyftor i samhället. Hon målade aldrig på beställning. Bara sällan skapade hon ur minnet. Nyckeln till Neels skapande var övertygelsen om det unika mötet mellan konstnären och modellen.&nbsp;Bland de avporträtterade finns både familjemedlemmar och kända personligheter som Andy Warhol, fotografen Sam Brody och konstkritikern John Perreault. I skapandet finns även spår av konstnärens personliga tragedier, som kärlekssorger och förluster av barn. Hennes verk på papper är både storslagna och tidlösa.&nbsp;Alice Neels verk på papper är dock fortfarande närmast okända för allmänheten. Utställningen på Nordiska Akvarellmuseet är den första stora presentationen av konstnärens akvareller och teckningar någonsin. Verken kommer från Alice Neels Stiftelse i New York samt privata ägare och museer.

Vit vägg med svartvitt foto av Alice Neel till vänster och texten "Alice Neel" till höger

Konstverk: Alice Neel, Hartley and Ginny, 1970

Utställningar

Peter KöhlerI den djupaste natten

Johan ThurfjellDen andra sidan

Vanessa BairdCRABBED