I sitt konstnärskap arbetade Bodil Kaalund (1930–2016) med vardagsupplevelser, reseskildringar och religiösa bilder. Mest känd blev hon för sina arbeten med motiv från Gamla och Nya Testamentet. I en blandning av litografiska tryck och akvarell tolkade hon de välkända berättelserna. Kaalund blandade suggestivt vår nära och vardagliga mänskliga tillvaro med de andliga värden som hon såg i Bibeln.

Verk på bild: Bodil Kaalund, Nadveren, 1988

Verk på bild: Bodil Kaalund, Kvinderne ved brønden, 1988

Verk på bild: Bodil Kaalund, Jonas i hvalens bug, 1988

Verk på bild: Bodil Kaalund, For syndefaldet, 1991

Verk på bild: Bodil Kaalund, Bespisningsundret, 1988

Verk på bild: Bodil Kaalund, Tag det, dette er mit legeme, 1988

Fler verk av konstnären

Verk på bild: Bodil Kaalund, Sinai, 1984

Bodil Kaalund, Sinai, 1984.jpg

In her art, Bodil Kaalund (1930–2016) worked with everyday experiences, travelogues and religious images. She is best known for her work with motifs from the Old and New Testaments. In a mix of lithographic prints and watercolour, she interprets the well-known stories. Kaalund suggestively blends our close and everyday human existence with the spiritual values she sees in the Bible.

Bodil Kaalund

Carin Ellberg är en berättare som utformar sina egna bildvärldar. En fin linje som slingrar sig som ett ornament är hennes signum. I installationerna är det nylonstrumpbyxan som får linjens karaktär. Självporträtt och kvinnogestalter återkommer som Ellbergs favoritmotiv. Träd har en särskild betydelse i konstnärens ikonografi. Tankar växer ut som tjocka grenverk ur människohuvuden. Verken fylls också med attribut som konventionellt förbinds med kvinnlighet: väskor, kläder, håruppsättningar och sötsaker. I färgskalorna dominerar skiftande rosa och beige nyanser. Det handlar om vardagslivets estetik, där verklighet och dröm skarvlöst flyter samman utan någon större dramatik, men med en sagas trollbindande charm.

Carin Ellberg, och dolde mina avsikter., 2007–2009

carin ellberg, men bara nudda., 2007–09

Carin Ellberg, Weather Report, 2004.jpg

Carin Ellberg is a story-teller who creates her own pictorial worlds. Characteristic of her style is the use of a slim, meandering line that winds its ornamental way. And in her installations it is the nylon pantyhose that plays the same role. Self-portraits and female figures are recurring themes in Ellberg’s work. Trees have a special significance in her iconography. Thoughts sprout like thick branches from human heads. Her works are also full of attributes conventionally associated with femininity: handbags, clothes, hair arrangements and sweets. Her palette is dominated by tones of varying pink and beige. She is interested in aspects of everyday aesthetics, where reality and dream merge undramatically and effortlessly but with the magic charm of fairy tale.

Carin Ellberg

Carl Wargh (1938–2018) har både praktiska och teoretiska konststudier bakom sig. Under 1950- och 60-talen studerade han vid Konstakademins skola i Helsingfors och var målerielev hos expressionisten Oskar Kokoschka i Salzburg. Carl Wargh skapar i första hand intuitivt och improviserande. Hans motiv lockar med förskjutningar i perspektiv och oväntade kompositioner. I bilderna kombineras ofta tunn blyertsteckning med akvarellmåleri. Färgen flödar dock inte fritt utan kontrolleras genom ytterst sparsam användning av vatten. Med hjälp av collageteknik bygger Carl Wargh upp bilder med överblivet material från sin ateljé. Han tar fasta på grundfärgernas kontrastverkan och skapar reliefliknande effekter i sina målningar.

Carl Wargh, Landskap, 1999.jpg

Carl Wargh has both practical and the study of art behind him. During the 1950s and 1960s, he studied at the Finnish Art Academy School (currently The Academy of Fine Arts) in Helsinki and was a painting student of expressionist Oskar Kokoschka in Salzburg. Carl Wargh works primarily intuitively and with improvisation. His art captures us with shifts in perspective and unexpected compositions. The images are often produced with combinations of thin pencil drawing with watercolours. The paint flows, not freely however, but controlled by extremely economical use of water. With the help of collage technique Carl Wargh builds up pictures with leftover material from his studio. He focuses on the base colour’s contrast effect and creates relief-like effects in his paintings.

Carl Wargh

Cecilia Edefalks stora genombrott kom med den uppmärksammade serien En annan rörelse 1990. Bildsviten aktualiserade frågor rörande förhållandet mellan original och kopia. Den blev ett viktigt inslag i den svenska debatten kring postmoderna bildkoder. Cecilia Edefalks produktion är omfattande. Hon arbetar med fotografi, skulptur och måleri. I akvarelltekniken skiftar hon mellan knivskarpa och mjuka former. Edefalks bilder handlar ofta om andra bilder. Samma motiv mångfaldigas, men förändras också under den konstnärliga processen. Viktiga spår i konstnärskapet är självporträtt och omtolkningar av antikens skulptur samt intresset för mystik och det ockulta.

cecilia edefalk, water in water, 1997.jpg

Cecilia Edefalk’s big breakthrough came with the noted series En annan rörelse (Another Movement) in 1990. This suite of pictures focused on the relationship between original and copy. It proved to be a significant contribution to the Swedish debate on post-modernist pictorial idioms. Cecilia Edefalk’s production is extensive. She works with photography, sculpture and painting. In her watercolours she ranges between razor-sharp and softer forms. Her images often have to do with other pictures. The same subject is repeated but at the same time transformed during the artistic process. Important themes in her art are self-portraits and interpretations of antique sculpture, along with an interest in the mystical and the occult.

Cecilia Edefalk

Christine Ödlunds konst bygger på korsbefruktningar. Ljud och bild, natur och kultur, fysik och metafysik ingår ofta allians i hennes komplexa verk. Till synes självständiga verkar de ändå korrespondera med varandra. Ett sinnesintryck fångas upp och tolkas genom andra sinnen. Konstnären har målat bilder av ljus, spelat musik för nässlor och orkidéer och avlyssnat ormbunkarnas röster. I videoverk har hon registrerat den pågående aktiviteten i en kompost. Ödlunds målningar, skulpturer och videoverk påminner om att naturen är ett kretslopp. Christine Ödlund är utbildad vid EMS (The Electronic Music Studio), Kungl. Konsthögskolan och Konstfack i Stockholm. Ödlund är ledamot i Konstakademien sedan 2019.

Verk: Christine Ödlund, Botanical Thought-Form I

Christine Ödlund, Botanical Thought-Form I, 2024.jpg

Christine Ödlund’s art builds on cross-pollinations. Sound and image, nature and culture, physics and metaphysics often interact in her complex installations. The works are independent yet seem to correspond to each other. A sensory impression is perceived and interpreted by other senses. The artist has painted pictures with light, played music for nettles and orchids, and listened to the voices of ferns. Ödlund’s paintings, sculptures and video works remind us that nature is cyclical. Christine Ödlund was educated at EMS (The Electronic Music Studio), the Royal Institute of Art in Stockholm, and Konstfack in Stockholm. Ödlund has been a member of the Royal Swedish Academy of Fine Arts since 2019.

Christine Ödlund

Dorte Karrebæk är utbildad reklamtecknare, men har sedan 1982 illustrerat omkring 150 bilderböcker. Vissa av dem har hon författat själv, andra har tillkommit i samarbete. Karrebæks bilder gestaltar huvudsakligen stämningar och känslor snarare än den konkreta verkligheten. Hennes verk har belönats med ett flertal priser. I boken Lille frøken Buks og de små sejre möter vi fröken Buks som är rädd för nästan allt – för himlen, natten, hundar, havet, bilar och massor av andra saker. Steg för steg utmanar hon sina rädslor och upptäcker att världen kanske inte är så farlig som hon trott.

Konstverk: Dorte Karrebæk, ur Lille frøken buks og de små sejre, 2004

Konstverk: Dorte Karrebæk, Lille frøken buks og de små sejre, 2004

Dorte Karrebæk, Lille frøken buks og de små sejre / Little miss pants and the little victories, 2004

Dorte Karrebæk trained to be a commercial illustrator. Since 1982 she has illustrated some 150 picture books, some penned by herself, others created together with others. Karrebæk’s images are mostly portrayals of moods and feelings rather than figurative depictions. She has been awarded numerous prizes for her works. In the book Lille frøken Buks og de små sejre we meet Miss Buks, who is afraid of almost everything – the sky, the night, dogs, the sea, cars, and lots of other things. Step by step, she faces her fears and discovers that the world perhaps is not as dangerous as she thought.

Dorte Karrebæk 

Eggert Pétursson studerade på Islands Konst- och konsthantverksskola i Reykjavik 1976–79 och därefter på Jan van Eyck Academie i Maastricht i Nederländerna, där han tog examen 1981. Han har blivit berömd för sitt unika sätt att avbilda den isländska floran, men betraktar sig själv varken som landskaps- eller blomstermålare. Péturssons konstnärliga bakgrund finns istället i Fluxus och konceptkonsten, de dominerande rörelserna under 60- och 70-talen. Med djup kunskap både inom botaniken och det måleriska hantverket bröt Pétursson ner växtmotiven till enskilda beståndsdelar. Genom att upprepa varje kronblad, stam och stjälk skapade han därefter svindlande mönster som ibland påminner om det abstrakta. I motsats till oljemålningarna är hans akvareller spröda och andas en annan sorts ömsinthet.

Konstverk: Eggert Pétursson, Utan titel, 2007

Konstverk: Eggert Pétursson, Utan titel, 2008

Eggert Pétursson, Utan titel, 2008

Eggert Pétursson studied at the Icelandic College of Art and Crafts, Reykjavik 1976–79 and then at the Jan van Eyck Academie in Maastricht, the Netherlands, where he graduated in 1981. He has become famous for his unique way of depicting the Icelandic flora, but considers himself neither a landscape nor flower painter. Pétursson’s artistic background is instead found in Fluxus and conceptual art, the dominant movements of the 60s and 70s. With deep knowledge of both botany and the craft of painting, Pétursson broke down the plant motifs into separate components. Repeating each petal, stem and stalk, he then created dizzying patterns that resemble the abstract. In contrast to the oil paintings, his watercolours are fragile and breathe a different kind of tenderness.

Eggert Pétursson

Elina Merenmies konst följer den figurativa traditionen. Verkformaten skiftar från små teckningar till stora målningar. Persongalleriet och de historier som gestaltas avslöjar konstnärens dragning till säregna sammanhang och fenomen. Blicken riktas ofta mot ett existentiellt mörker. Människans ångest och ensamhet är ett återkommande tema, men en svart humor är också viktig i Merenmies verk. Lidande balanseras mot hopp. Här finns vissa anknytningar till den kristna konstens martyrbildstradition. Elina Merenmies bilder är unika mötesplatser för myter, sagor, drömmar och hallucinationer. I bildspråket finns spår av konstnärens tidigare erfarenheter av performancekonst, experimentell musik och nya måleritekniker, t.ex. dataassisterat måleri.

Konstverk: Elina Merenmies, Utan titel, 2010

Konstverk: Elina Merenmies, Repent King Hero, 2015

Konstverk: Elina Merenmies, There Must Be an Angel Playing with My Heart, 2006

Elina Merenmies, Swamp, 2004

Elina Merenmies follows in the figurative tradition, with formats ranging from small drawings to large scale paintings. The cast of characters depicted and the tales told reveal the leaning of the artist towards singular contexts and phenomena. Her gaze is often directed towards existential darkness. Human anxiety and loneliness are recurring themes in Merenmies’s work, but humour is at least as important. Suffering is countered by hope, with links here to the martyr tradition found in Christian art. Elina Merenmies’s pictures are unique meeting points for myths, folktales, dreams and hallucinations. There are traces in her visual idiom of her previous experience of performance art, experimental music, and new painting techniques as computer aided painting.

Elina Merenmies

Akvarell är Erik Hårdstedts favoritteknik. Han hämtar inspiration från såväl konsthistorien som populärkulturen. Det vardagliga och det extraordinära möts i hans bilder på ett överraskande sätt. Motiven kommer både från mytologiska berättelser och från vårt samtida konsumtionssamhälle. I Hårdstedts myllrande, detaljrika kompositioner samsa triviala föremål med laddade symboler. Kända och okända ansikten passerar i revy. Meditation spelar en viktig roll i arbetsprocessen. Förmågan att behärska tekniken låter konstnären att arbeta ocensurerat och i vissa fall översätta tankeströmmar direkt till spontana bilder.

Verk: Erik Hårdstedt, 8 september 2000, 2000

Konstverk: Erik Hårdstedt, 7 september 2000, 2000

Erik Hårdstedt, 7 september 2000, 2000.jpg

Watercolour is Erik Hårdstedt’s favorite medium. He draws inspiration from both art history and popular culture. In his work, the mundane and the extraordinary intersect in surprising ways. His motifs stem from mythological stories as well as contemporary consumer society. In Hårdstedt’s bustling, detailed compositions, trivial objects are combined with charged symbols. Familiar and unfamiliar faces parade through the scenes. Meditation plays a significant role in his creative process. The ability to master the technique allows the artist to work uncensored and in some cases translate currents of thought directly into spontaneous images.

Erik Hårdstedt

Svarta linjer dyker upp från ingenstans. De täcker vita pappersark till synes bortom all kontroll. De svävar osammanhängande i ett tomrum eller möter varandra. Tillsammans modellerar de fram former som är både abstrakta och föreställande på en gång. Perspektiven är svindlande, variationerna oändliga. Så ser ofta Erland Brands (1922–2020) teckningar ut. En annan särskild motivkrets i hans skapande utgör ansiktsporträtten, där de oskarpa anletsdragen ofta förvandlas i ett kargt landskap. Erland Brand föddes 1922 i Arvika. Efter Slöjdföreningens skola i Göteborg fortsatte han sina studier som en av Endre Nemes elever på Valand i slutet av 1940-talet. Brand har med framgång växlat tekniker och skalor och arbetat både med akvareller, grafik, teckning och oljemåleri.&nbsp;

Konstverk: Erland Brand, Självporträtt, 1982

Erland Brand, Självporträtt, 1982.jpg

Black lines appear out of nowhere. They appear to cover white sheets of paper beyond all control. They float incoherently in a void or meet each other. Together, they model shapes that are both abstract and imaginative at once. The perspectives are staggering, the variations endless. This is what Erland Brand’s (1922–2020) drawings often look like. Another special circle of motifs in his creation is the facial portrait, where the blurry features are often transformed into a harsh landscape. Erland Brand was born in 1922 in Arvika. After school in Gothenburg, he continued his studies as one of Endre Neme’s students at Valand in the late 1940s. Brand has successfully varied in techniques and scales and worked with watercolours, graphics, drawing and oil painting.

Erland Brand

Eva &amp; Adele inte bara skapar konst utan bokstavligt lever den. Med sina rakade huvuden, välsminkade ögon, glamorösa dräkter och gränsöverskridande könsidentiteter avser konstnärsparet att väcka uppmärksamhet på konstevenemang världen över. Eva &amp; Adele avslöjar varken var eller när de föddes och hävdar att de träffats i en tidsmaskin som förde dem från framtiden till Berlin 1991. Det var just då som konstnärerna för första gången uppmärksammades internationellt i samband med deras offentliga bröllop. Eva &amp; Adeles liv utgör ett konstverk i sig. Deras skapande vidgar konstbegreppet, lyfter fram genusfrågor och ifrågasätter traditionella sociala normer i ett modernt samhälle. Liksom flera av deras andra verk, är porträttet i Nordiska Akvarellmuseets samling målat efter ett fotografi som antingen konstnärerna själva eller allmänheten tagit av dem.

Eva & Adele, Berlin, 1992.jpg

Eva &amp; Adele do not just make art; they literally live it. With their shaved heads, heavily made-up eyes, glamorous outfits and crossgender identity, this artistic couple intends to draw attention at arts events worldwide. Eva &amp; Adele reveal neither where nor when they were born and maintain that they met in a time machine that brought them from the future to Berlin in 1991. That was when the artists first received international attention, in conjunction with their public wedding. The life of Eva &amp; Adele is itself a work of art. Their work broadens the concept of art, highlights gender issues, and questions traditional social norms in modern society. Like many of their other pieces, the portrait in the museum collection was painted from a reference photograph taken either by the artists themselves or by the public.

Eva & Adele

Mönster och strukturer är centrala i Eva Berges målningar. Hon utbildade sig på Konstakademin i Oslo under 1980-talet och har på senare år alltmer börjat arbeta med motiv som söker sig till den kristna och andliga traditionen. Den konstnärliga utmaningen handlar för henne om att med färg och form gestalta innehåll, tankar och känslor. Stor och strålande lyser hennes akvarell Solregn. Korta bruna linjer ligger i rytmiska mönster över en varmt gul grund. Linjerna följer varandra och skapar strukturer och staplar. På ett plan är bildens språk abstrakt. Det är färgen och linjernas samspel som skapar vår upplevelse. Samtidigt ger Eva Berge oss former att börja associera kring. Det är lätt att bland strecken se den strålande solen, markens fasta grund, regnstänk och t.o.m. regnbågens mönster.

Verk på bild: Eva Berge, Arkitektoniske skisser II, 1994

Eva Berge, Solregn (eng. Sunny rain), 2001.jpg

Pattern and texture are central to Eva Berge’s paintings. She studied at the Oslo National Academy of the Arts in the 1980s and in recent years, she has started to work with motifs that lean towards Christian and spiritual traditions. Her personal artistic challenge involves depicting content, thought and emotion with colour and form. Sunny rain ("Solregn") is a large, brilliant and luminous watercolour piece. Short brown lines form a rhythmic pattern across a warm yellow foundation. The lines follow each other, creating texture and columns. On one level, the imagery is abstract. The interplay of the paint and lines create our experience. At the same time, Eva Berge gives us shapes that inspire associations. It is easy to see the beaming sun, solid ground, raindrops and even the pattern of a rainbow among the lines.

Eva Berge

Eva Lindström utbildades vid Västerås Konstskola och Konstfack i Stockholm. Hon är både illustratör och författare. På 1980-talet började hon arbeta som serietecknare, bland annat för kvinnotidningen Q och Arbetaren. Så småningom blev hon barnboksillustratör och -författare. Lindströms formspråk rör sig utan omsvep mot laddade tillstånd och starka känslor. Tematiskt pendlar hon obesvärat mellan det mest vardagliga och det djupt existentiella. Materialen är akvarell, gouache och blyerts. Hon har medverkat i Kamratposten, skapat tecknade kortfilmer och flera av hennes berättelser har filmatiserats. För sina barnböcker har Eva Lindström nominerats till Augustpriset ett flertal gånger och fått en rad utmärkelser.

Eva Lindström, ur boken Jag rymmer, 2006

Eva Lindström studied at Västerås Art School and the University of Arts, Crafts and Design in Stockholm. She is both an illustrator and author. In the 1980s, she began working as a cartoonist, for example for the women’s magazine Q and Arbetaren (The Worker). She gradually began illustrating and writing children’s books. Lindström’s style leans towards charged states of being and strong emotions. Thematically, she alternates between the most mundane and deeply existential issues. She works in watercolour, gouache and pencil. She has contributed to Kamratposten (a Swedish magazine for children) and created short animated cartoons, and several of her stories have been turned into films. Eva Lindström has been nominated for the August Prize for her children’s books many times, and she has received numerous awards.

Eva Lindström

Eva Vilne målar flickor och kvinnor. Deras känslor och sinnestillstånd avspeglas i kroppshållning och gester. De dansar eller fångas i en cirkel av skuggor. I de finlemmade gestalternas stora ögon växlar rädsla, sorg och glädje. Ibland handlar det om en ensam varelse. Ibland håller en kvinna ett flickebarn i famnen. Referenserna till Lena Cronqvist finns där, men förebilderna finns egentligen i ett gammalt kyrkomåleri. Eva Vilnes konst berör ständigt frågor kring kvinnlighet och den utsatta kroppen. Det handlar om tiden som ett cykliskt förlopp och insikter om hur livets vackra och grymma sidor tangerar varandra. Verken växer sakta fram. I färgskalorna dominerar brunröda och blå toner.

Verk på bild: Eva Vilne, Du kan också, 2011

Verk på bild: Eva Vilne, En flygtur, 2011

Verk på bild: Eva Vilne, Fritt val, 2011

Verk på bild: Eva Vilne, Över mörka vatten, 2011

Eva Vilne, Över mörka vatten (eng. Over dark waters), 2011.jpg

Eva Vilne paints pictures of girls and women. Their feelings and mental states are reflected in their physical posture and gestures. They are seen dancing or imprisoned within a circle of shadows. The large eyes of these slim creatures express fear, sorrow and joy. At times only a single person is depicted and on occasions a woman is seen holding a baby girl in her embrace. There are references to the work of Lena Cronqvist here, but the ultimate origins lie in ancient church decoration. Eva Vilne’s art deals constantly with questions relating to femininity and the vulnerable human body. It treats time as cyclical event, and presents insights into the ways in which life’s beautiful and cruel sides interact with one another. Her works develop slowly. In her palette brown and blue tones dominate.

Eva Vilne

Fibben Hald är en av Sveriges främsta tecknare och illustratörer. Han debuterade 1963 som barnboksillustratör i Lennart Hellsings Katten blåste i silverhorn. Det mest utmärkande för Halds estetik är hans tilltro till bilden som språk. Avsikten med hans konst är att den ska rikta sig till alla åldrar. I bilderna avspeglas konstnärens temperament där humor och lekfullhet är de viktigaste parametrarna. Blyerts, kol, tusch och akvarell får samverka i kvicka visuella berättelser utan tillrättalagda budskap. Formerna är stiliserade och bär ofta på en särpräglad symbolik. Som konstnär har Fibben Hald förmågan att skapa spännande och oväntade möten mellan text och bild. Han har illustrerat texter av författare som Janne Lundström, Max Lundgren, Helena Nyblom, Lars Forssell och Inga Borg. Fibben Hald är utbildad vid Anders Beckmans skola i Stockholm.

Fibben Hald, Utan titel, 2007

Fibben Hald is one of Sweden’s most prominent cartoonists and illustrators. He made his debut in 1963, with illustrations for a children’s book by Lennart Hellsing, Katten blåste i silverhorn ("The Cat Blew the Silverhorn"). The most characteristic trait of Hald’s aesthetics is his trust in the language of imagery. His ambition is that his art should appeal to both young and old. The illustrations reflect the artist’s temperament, where humour and playfulness are paramount. Graphite, charcoal, ink and watercolours are combined in witty visual stories without trite messages. Shapes are stylized and often with their own curious symbolism. As an artist, Fibben Hald has the ability to create compelling and unexpected encounters between word and image. He has illustrated texts by writers such as Janne Lundström, Max Lundgren, Helena Nyblom, Lars Forssell and Inga Borg. Fibben Hald was educated at Beckman’s College of Design in Stockholm.

Fibben Hald

Fredrik Söderbergs akvareller myllrar av vackra detaljer som bildar en storslagen helhet. Hans referenser kommer dels från antiken och bibliska berättelser, dels från andra konstnärer som fascinerats av både linjen och mörkret: Albrecht Dürer, William Blake, Abrey Beardsley, men också den medeltidsinspirerade William Morris, förgrundsgestalten inom den brittiska Arts and Crafts-rörelsen. Med hänvisningar till det andliga och ockulta, till alkemin och astrologin skapar Söderberg exakta symmetriska kompositioner som påminner både om tibetansk mandala och om precisa arkitektoniska skisser av fasader och tempel. Hans måleri är genomsyrat av mysticism. I den fina ornamentiken, bladsilvret, guldet och färgbanden möts det figurativa och det abstrakta, materia och ande.

Fredrik Söderberg, Der traum V / The dream V, 2013

Fredrik Söderberg, Das haus C.G. Jung mit geist / The house of C.G. Jung with spirit, 2013

Fredrik Söderberg’s watercolours teem with beautiful details forming a magnificent whole. His references come partly from antiquity and from biblical stories, and partly from other artists fascinated by both line and darkness: Albrecht Dürer, William Blake and Aubrey Beardsley, but also from the medieval-inspired William Morris – foreground figure in the British Arts and Crafts Movement. With reference to the spiritual and the occult, to alchemy and astrology, Söderberg creates exact symmetrical compositions reminiscent of both the Tibetan mandala and precise architectural sketches of facades and temples. His paintings are imbued with mysticism. In the fine ornamentation, the silver leaf, the gold and the colour-bands the figurative meets the abstract. Matter meets the spirit.

Fredrik Söderberg

Georg Guðni Hauksson (1961–2011) var en av Islands mest betydelsefulla målare inom samtidskonsten. Sedan 1980-talet var den isländska naturen hans ständiga inspirationskälla. I hans känslofyllda landskap finns referenser till romantikerna Caspar David Friedrichs och William Turners måleri. Georg Guðni blev mest berömd för sina stora oljemålningar, men hans akvareller, som är mindre kända, utgör en minst lika viktig del av konstnärskapet. Han fångar det karga, men också skimrande vackra isländska landskapet. Ibland är bergkonturen central. Oftast är den obrutna horisontlinjen allra viktigast. De drömlika vidderna är mötesplatser för himmel och jord, luft och hav. Regn och dimma beslöjar världen, som förändras i det skiftande ljuset. En monumental tystnad vilar över alltet.

Verk på bild: Georg Guðni Hauksson, Utan titel, 2002

Georg Guðni Hauksson, Utan titel, 2002.jpg

Georg Guðni Hauksson (1961–2011) was one of the most important Icelandic painters on the contemporary art scene. From 1980 onwards the unspoilt natural scenery of Iceland provided his constant inspiration. In his passionate landscapes there are references to the work of the Romantic artists Caspar David Friedrich and William Turner. Georg Guðni was most famous for his large oil paintings but his lesser well-known watercolours form just as important a part of his artistic creation. He captures the barren but glitteringly beautiful Icelandic landscape. At times his focus is on the outline of the hills, but generally it is the unbroken line of the horizon that matters the most. These dreamlike expanses are the meeting places for earth and sky, sea and air. Rain and mist veil the world, constantly shifting in the varying light. A monumental silence rests over all.

Georg Guðni Hauksson

Göran Dalhovs naturuppfattning är romantikerns. Han har ett närmast sakralt förhållande till naturen och har genom åren studerat och tolkat dess inre väsen. I den ömsinta skildringen finns dock en oro för vår natur. För att i framtiden kunna uppleva den skönhet som Dalhov beskriver måste vi göra något nu.

Konstverk: Göran Dalhov, Ur serien ’Wales måleri’ 2000-1, 2000

Konstverk: Göran Dalhov, ur serien "Skimrande skärgård", Erlang kap. 6, odaterad

Konstverk: Göran Dalhov, Vingkaraktär gräsand, ur serien "Våra vilda djur", 1980

Konstverk: Göran Dalhov, Utan titel I-II, 2000

Konstverk: Göran Dalhov, Månsken på Nordsjön, 1998

Konstverk: Göran Dalhov, ur serien "Wales måleri" 2000-2, 2000

Konstverk: Göran Dalhov, ur serien "Wales måleri" 99-4, 2000

Konstverk: Göran Dalhov, Club Gustavus I, 1977

Konstverk: Göran Dalhov, ur serien "Vattenfärger", Koltrastbatalj, odaterad

Konstverk: Göran Dalhov, ur serien "Skimrande skärgård", Erlang kap. 5, odaterad

Konstverk: Göran Dalhov, ICA-påse, skiss, 1980

Göran Dalhov, Härön, 2001.jpg

Göran Dalhov’s view of nature is that of the romantic. He has an almost sacred relation to nature and has over the years studied and interpreted its inner essence. In the tender depiction, however, there is a concern for our nature. To be able to experience the beauty that Dalhov describes in the future, we must do something now.

Göran Dalhov

Gry Moursund skapar färgstarka berättelser som älskas av såväl vuxna som barn. Hon är uppvuxen i Nordnorge och har utbildat sig inom illustration och grafisk design i Norge och England. Hon har arbetat med bilderböcker sedan 1999 och blivit känd för ett lekfullt och färgstarkt uttryckssätt som lägger sig nära barns bildspråk. Tre gånger har hon fått det norska Kulturdepartementets bilderbokspris, bl.a. i mars 2010 för Bockarna Bruse på badhuset, som har rönt en stor framgång i Norge och även getts ut i Sverige.

Konstverk: Gry Moursund, ur boken Bukkene Bruse på badeland, 2009

Gry Moursund, ur boken Bukkene Bruse på badeland / From the book Billy Goats Gruff at the bathhouse, 2009

Gry Moursund creates colourful stories loved by both adults and children alike. She grew up in Northern Norway and trained in illustration and graphic design in Norway and England. She has worked with picture books since 1999 and has become known for her playful and colourful expressions that lie near to the visual language of children. She has received the Norwegian Ministry of Culture’s picture book prize three times, for example in March 2010 for Bukkene Bruse på badeland ("The Billy Goats Gruff at the Swimming Pool"), which has garnered great success in Norway and has also been published in Sweden.

Gry Moursund

Guðmundur Thoroddsen utforskar manlighet. Med humor och värme gör han narr av patriarkatet. Thoroddsens bilder består till stor del av skäggiga män som är sysselsatta med att busa, spela basket, brygga öl och jaga. Trots att idén om manlighet glorifieras och häcklas kan dessa mansfigurer uppfattas som förryckta och förvirrade – försöker de omfamna en döende maskulinitet? Guðmundur Thoroddsen är utbildad vid Islands konsthögskola, Reykjavík samt School of Visual Arts, New York och arbetar i traditionella material som akvarell, keramik, trä och teckning.&nbsp;

Konstverk: Guðmundur Thoroddsen, At Home, 2004

Guðmundur Thoroddsen, At Home, 2004

Guðmundur Thoroddsen explores masculinity. He pokes fun at the patriarchy with warmth and humour. Thoroddsen’s images consist largely of bearded men busy playing basketball, brewing beer, hunting and engaged in horseplay. Although the idea of masculinity is glorified and made fun of, these male figures can be perceived as bewildered and confused; are they trying to embrace a dying masculinity? Guðmundur Thoroddsen studied at the Iceland University of the Arts, Reykjavík and the School of Visual Arts in New York. He works with traditional materials and methods such as watercolours, ceramic, wood and drawing.&nbsp;

Guðmundur Thoroddsen

Guðrún Einarsdóttir är en av Islands främsta samtidskonstnärer. Hennes konstnärliga arbete har sina rötter i naturens färg- och formrikedom. Verken kännetecknas av en slående men också skenbar anspråkslöshet. Bakom det enkla finns det komplexa med en mångfald detaljer. Den måleriska tekniken bygger på grundliga materialundersökningar och experiment vilka spelar en avgörande roll i Einarsdóttirs kreativa process. Hon betraktar färger och former som en del av naturen – men inte i en tradtionell mening utan i en vidare bemärkelse. Guðrún Einarsdóttirs verk har inga titlar. I det karaktäristiska formspråket med upprepningar som stilgrepp finns dock spår som påminner om mossa, vattendroppar, islandslav, snö och is. Skärvorna av ett landskap bildar ett abstrakt mönster. Guðrún Einarsdóttir är utbildad vid Reykjaviks Konstskola, Islands konst- och hantverksskola samt Islands konsthögskola.

Verk: Guðrún Einarsdóttir, Utan titel, 2005-06

Guðrún Einarsdóttir, Utan titel, 2005-06

Guðrún Einarsdóttir is one of Iceland’s most prominent contemporary artists. Her practice is rooted in nature’s wealth of colours and shapes. A striking but deceptive modesty is characteristic of her works. A complexity and richness of detail lies behind the simplicity. Her painterly technique relies on meticulous examinations of materials, and experiments that are essential to the creative process. She regards colours and shapes as a part of nature – but not in the traditional sense, more in a general way. Guðrún Einarsdóttir never gives titles to her works. Her characteristically repetitive style reveals traces of what appear to be moss, drops of water, Iceland moss, snow and ice. Landscape fragments form abstract patterns. Gu∂rún Einarsdóttir was educated at the Reykjavik Art School och Icelandic College of Art and Crafts and the Icelandic Academy of the Arts.

Konstnärer